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Pasa La Noche en BLANCO

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ARMONIZACIÓN VERDI UNIVERSAL

VOLVER A LA ‘AFINACIÓN ANTIGUA’ CON EL “DO =256” AFINACIÓN VERDI
ESTOS ARTÍCULOS SE PUBLICARON EN 1988.
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VIDEO Andantino de Mozart EN 432Hz – 440Hz

EL INSTITUTO SCHILLER  VER * Emplea a un gran conjunto de argumentos para esta adaptación, de la exactitud histórica, a los reclamos que esta es la forma en que el universo está afinado, con referencias a lo que dice JOHANNES KEPLER en su  tratado “LA ARMONÍA DEL MUNDO” , donde se propone la idea de que el ordenamiento de las órbitas planetarias se basa en los armónicos y las relaciones entre los sólidos platónicos .

EL POEMA DE FRIEDRICH SCHILLER  An die Freude (noviembre 1785), traducido como A la Alegría, y conocido como ODA A LA ALEGRÍA que Schiller publicó en 1786 en la primera versión y 1808 postumo en la versión definitiva (classica), provocó en Beethoven la intención de musicalizarlo ya desde 1793 cuando tenía 22 años.

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La Sinfonía n.º 9 Op. 125 en re menor llamada “LA CORAL “Su último movimiento ES UN FINAL CORAL sorprendentemente inusual en su época que se ha convertido en Símbolo de la Libertad ,las voces Masculinas y Femeninas se alternan DECLAMANDO LA “ODA A LA ALEGRÍA” DE SCHILLER
Precisamente, una adaptación de la sinfonía, realizada por Herbert von Karajan es, desde 1972, el himno de la Unión Europea (UE). También destaca por ser la única composición musical de la historia declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

En los últimos períodos, EL INSTITUTO SCHILLER ha organizando conciertos en muchas comunidades y países , con el “do =256”, es decir, la afinación de Guisepe Verdi .Hay un movimiento que en el 2001 organizó una opera, en el pueblo de Busetto, Italia, con esta afinación natural, por la memoria del hijo de Busetto, Verdi.
INSTITUTO SCHILLER -1988

Desde Italia, la tierra de Verdi y del Bel Canto, se ha dado inicio a una verdadera revolución en la música cuyas implicaciones serán sentidas en las casas de ópera de Viena, München, Berlín, y París, en las salas de conciertos donde se cantan Lieder y aún en el escenario del Metropolitan Opera House de N. Y.

POR PRIMERA VEZ EN CASI UN SIGLO, LOS AMANTES DE LA MÚSICA PODRÁN ESCUCHAR EL REPERTORIO CLÁSICO INTERPRETADO EN LA FORMA QUE LOS GRANDES COMPOSITORES COMO MOZART, BACH, BEETHOVEN Y VERDI, DESEABAN.

Una nueva generación de grandes cantantes, considerada imposible de surgir por mucho tiempo, se hará realidad; también la posibilidad formar nuevos compositores que escriban en la tradición de los clásicos, se abrirá de nuevo.

Todo empezó en una conferencia en Milán, el pasado mes de abril cuando las estrellas de la ópera RENATA TEBALDI y PIERO CAPUCCILLI apoyaron un llamado emitido por el Instituto Schiller PARA REESTABLECER LA AFINACIÓN BASADA EN EL LA = 432 HERZ, USADA EN EL TIEMPO DE VERDI.

MÁS DE 400 IMPORTANTES EJECUTANTES Y DIRECTORES de orquesta dieron de inmediato su apoyo a la propuesta del Instituto Schiller para bajar la afinación; entre ellos: Carlo Bergonzi, Plácido Domingo, Brigit Nilson, Peter Schrier, Christa Ludwig, Mirella Freni, la soprano del Metropolitan Bidú Sayao, el cellista de la orquesta del Metropolitan Jascha Silbertein y el famoso director Gianandrea Gavazzeni.

Tan entusista respuesta del mundo musical indica que grandes músicos hacen hasta lo imposible para interpretar el repertorio clásico, han visto obstaculizados sus esfuerzos POR LA CARRERA COMPETITIVA DE LOS DIRECTORES DE ORQUESTA para subir la afinación cada vez más.

Algunas casas de ópera como la de Florencia, Berlín y Viena, han superado con mucho el La = 440 llegando a la estratósfera sonora alegando que tratan de lograr un sonido más “brillante”.

Giuseppe Verdi , quien compuso algunas de las más finas óperas del mundo, sabía que “EL SONIDO NOBLE Y REDONDO DE LA AFINACIÓN NATURAL es mucho más bello que el sonido forzado del tono excesivamente alto”.

Él también entendía que los valores (frecuencias) de los tonos NO ES UN ASUNTO ARBITRARIO O DE ELECCIÓN PERSONAL, SINO QUE CORRESPONDE A VALORES UNIVERSALES. Como Verdi escribió en una carta a la Comisión Gubernamental de Música de Italia: “Es absurdo que una nota sea llamada “LA” en Roma y “SI BEMOL” en París dado que la música es un lenguaje universal”.
Verdi trabajó mucho para demostrar en la práctica dicha universalidad.
En colaboración con los más destacados científicos de su tiempo. él fijó el La en 432 ciclos por segundo como el “DIAPASÓN CIENTÍFICO” correspondiente a la voz humana natural y tuvo éxito en lograr que el gobierno italiano emitiera en 1884 un decreto estableciendo ese tono como base de afinación para la interpretación musical.
Hoy, el Instituto Schiller ha revivido el esfuerzo de Giuseppe Verdi.

Inspirado en los logros de LYNDON LAROUCHE en este terreno, los científicos más destacados en esta área, han fundamentado nuevamente la coherencia del La = 432 (que corresponde a un Do5 = 256) con las leyes que gobiernan el universo físico, DESDE LA ORGANIZACIÓN DE NUESTRO SISTEMA SOLAR, HASTA LA PRODUCCIÓN DE LA VOZ HUMANA. Desde una visión científica avanzada, ellos han demostrado que cualquier otra afinación, basada en el La = 440, 443, ó 450 no solo no refleja la ley natural sino que dado que la viola, produce daños reales en la voz humana.

Ello, como Renata Tebaldi, entre otros, han expresado, es la razón por la que ciertos tipos de voz COMO LA AUTÉNTICA CONTRALTO Y EL VERDADERO BARÍTONO, han casi desaparecido de los escenarios.

Muchos cantantes, obligados a forzar sus voces para estar acordes con la afinación tan elevada, frecuentemente deciden incursionar en el repertorio propio de tesituras más bajas; descontando el hecho de que el “color” natural de sus voces no les permitiría cantar en una tesitura ajena. Los cantantes que intentan seguir el camino ascendente de la afinación, TERMINARÁN SACRIFICANDO SUS VOCES.

LOS INSTRUMENTOS DE CUERDA
Norbert Brainin, violinista.

No sólo la voz humana, sino los instrumentos como los PRECIADOS STRADIVARIUS, SON TAMBIÉN IRREPARABLEMENTE DAÑADOS POR LA AFINACIÓN ALTA.Como Sergio Renzi, director del renombrado Instituto de Construcción de violines de Cremona ha documentado para el Instituto Schiller: “Cada incremento de 5 Herz en la afinación, es equivalente a un incremento de más de 5 kilogramos de peso sobre la estructura del violín…Esto significa que dado que en tiempo de Stradivarius, cuando la base de afinación para el La no era mayor de 430, todos los antiguos instrumentos de Cremona han tenido que soportar UN INCREMENTO DE TENSIÓN ENTRE 10 Y 14 KG.”. Por lo que el “sonido brillante” no lo es sino solamente “poderoso”, además de que el “timbre es destruído“.

Yendo más a fondo, los expertos coinciden en que la afinación alta distorsiona las concepciones musicales originales que Mozart, Bach, Beethoven y Verdi tuvieron. En ninguna otra parte es ello más evidente que en el “Lied” (canción alemana generalmente escrita para piano y canto) .

En un discurso en Milán, Helga Zepp LaRouche, fundadora del Instituto Schiller, ilustró la forma en la cual los compositores de Lied como Beethoven y Schubert trabajaban una idea musical asociando cambios de registro de la voz, LO CUAL CONLLEVA UN CAMBIO DE COLOR, A PUNTOS CRUCIALES DE LAS IDEAS DEL POEMA. Al subir la afinación tales cambios de registro (los cuales deberían de funcionar como singularidades que producen el paso a un nuevo nivel conceptual), son desplazados Y LAS IDEAS SON ENTONCES INTERPRETADAS EN FORMA TOTALMENTE ERRÓNEA. Como Arturo Sacchetti, organista y Director de Radio Vaticano sentenció: “Tienen una imagen muy clara en la mente (los compositores), una idea de la tonalidad, del color, las voces, y los instrumentos en el momento creativo en que componen”; por lo tanto, el que ignore eso al interpretar, demuestra una total falta de respeto e inmoralidad”.

Para reunificar ciencia y moralidad a la música, el Instituto Schiller ha llevado la campaña para bajar la afinación, al Parlamento Italiano. Siguiendo los pasos de Verdi, los senadores Demócrata – Cristianos de Roma, Carlo Boggio y Pietro Mazzapesa, presentaron una iniciativa llamando a que LA “AFINACIÓN VERDIANA” SEA RESTABLECIDA COMO LEY. A los lados de los senadores en una conferencia de prensa conjunta en Roma el 13 de julio de 1988, estuvieron el mundialmente famoso barítono Piero Capuccilli, Sergio Rienzi de Cremona, el maestro Sacchetti de Radio Vaticano y Fiorella Operto del Instituto Schiller de Italia, EN REPRESENTACIÓN DE LOS CIENTOS DE RENOMBRADOS MÚSICOS QUE HAN APOYADO LA INICIATIVA.

En el espacio de 24 horas, la noticia apareció prominentemente en las primeras páginas de los principales diarios italianos Corriere dela Sera, La Stampa, Il Giorno, y otros; al tiempo que era comentada por los expertos en música de la prensa mundial, incluyendo el Wall Street Journal, el Quotidien de París y el Jyllands Posten de Dinamarca así como el Aktuelt.

La radio nacional italiana dedicó programas completos a difundir la buena nueva, anunciando que los cantantes asociados a la campaña, estaban listos para pelear.

PLÁCIDO DOMINGO LLEGÓ A PROPONER HUELGAS DE LOS CANTANTES DE ÓPERA SI LOS DIRECTORES PERSISTÍAN EN USAR UNA AFINACIÓN DEMASIADO ALTA.

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En septiembre, la iniciativa será el centro del debate en el Parlamento Italiano. Entonces, con el creciente apoyo masivo de los amantes de la música, devendrá en ley.
Tal y como sucedió el el tiempo de Verdi, hoy, Italia, la tierra del Bel Canto, es el lugar más indicado para el resurgimiento de tal iniciativa que muy posiblemente se convertirá en ley estableciendo así un parámetro QUE REGENERARÁ Y REVOLUCIONARÁ LA MÚSICA EN TODO EL MUNDO.
Saludos y mensajes de todo el mundo musical
a la conferencia del Instituto Schiller

¡VIVA VERDI!

La conferencia del Instituto Schiller sobre cultura y música clásicas recibió los siguientes mensajes, entre otros.

MONTSERRAT CABALLÉ: Saludos cordiales a los participantes en esta conferencia, que abordan un asunto que, como cantante, es muy cercano a mi corazón pues en los más de treinta años de mi carrera activa de cantante, he llegado a la convicción DE QUE LA AFINACIÓN ELEVADA HACE MUCHÍSIMO DAÑO.
La voz humana tiene una altura normal que no se puede alterar. Se puede hacer con mucho adiestramiento, pero se pierde mucho al hacerlo: la belleza y colorido de la propia voz, su vibrato y su volumen, por que se tiene que elevar mucho la voz para acomodarla a la afinación de la orquesta; pero en este caso el tono no se produce de manera natural. Se dominan las notas, pero se pierde la grandeza y el volumen de la voz.

Estoy segura que la afinación elevada está destruyendo voces. Esto se puede demostrar sencillamente por el hecho de que las carreras de los cantantes de hoy son tan cortas. Otro buen ejemplo es el siguiente: Verdi escribió la traviata para soprano lírico-dramática; hoy, sin embargo, lo canta sólo una soprano de coloratura. Hoy no se puede oir la verdadera Traviata de Verdi como la cantó por ejemplo Renata Tebaldi en su época. Con la elevación de la afinación de 444 ó 445 ciclos para el La, simplemente no se puede hacer.

Hay otra cosa: en la ejecución los instrumentos suben de afinación; si las orquestas empiezan alto, para el final de la función están todavía más arriba. Recuerdo una representación de Norma en 1976, en la Scala, aquí en Milán: EMPEZAMOS A 444 Y EN EL ÚLTIMO ACTO TERMINAMOS A 446. Cuando lo mencioné después de la función, nadie quería creerlo. Pero pude confirmarlo de inmediato con el diapasón y tuvieron que admitir que yo tenía razón.

En ese caso, la afinación fue medio tono (¡) arriba de lo que indicó el compositor. Las voces de muchos cantantes jóvenes, faltos de experiencia o de educación y preparación técnicas, quedan destruidas después de 5 u 8 años, si tienen que cantar tan alto todo el tiempo; no se vuelve a oír de ellos, Pero no eran malas voces; eran de hecho voces buenísimas y también buenos músicos.
Estoy segura de que si volviéramos al diapasón bajo, en el que los compositores han escrito realmente, tendríamos hoy muchas Kristen Flagstad, muchos Ramón Vinay, muchos Mario del Monaco y muchas Renata Tebaldi, para mencionar apenas unos cuantos de los más grandes cantantes. NO ES CIERTO QUE LAS GRANDES VOCES NATURALES PERTENEZCAN SÓLO AL PASADO, ESTÁN SIEMPRE AHÍ, INCLUSO HOY.

Espero que esta discusión para bajar el diapasón, discusión que ustedes reinician con esta conferencia, resulte un gran éxito.
Saludos Cordiales.

ANNALIESE ROTHENBERGER, (soprano) Salingen, Suiza:
Lamento profundamente no poder asistir. Hubiera sido muy interesante para mí, dado que este problema de la afinación elevada de la orquesta me ha acompañado toda mi vida de cantante. En especial en Viena y Salzburgo, la afinación de la orquesta es extremadamente alta; y ahí, cuando cantaba Pamina siempre sentí pena por mis colegas que tenían que cantar la Reina de la Noche y que, por lo dicho, EN VEZ DEL YA DE POR SÍ TEMIDO FA SOBREAGUDO, TENÍAN QUE LLEGAR INCLUSO AL FA SOSTENIDO.

Admiro a la señorita Tebaldi no solo como gran cantante (cantamos juntas La Bohème en la Met de N.Y.), sino también por su espíritu combativo. Sólo puedo esperar que sus esfuerzos y los de todos ustedes logren buen éxito algún día.
Por eso les deseo lo mejor para el 9 de abril.
Muchas felicidades, Annalise Rothenberger.

ALFREDO KRAUS, Madrid, España:
Deseo extender mis saludos a esta conferencia, que discute un asunto muy importante para todos los cantantes y músicos.
Estoy de acuerdo en que el diapasón está muy alto actualmente. Es un hecho que siempre he buscado combatir. Como cantante de ópera, creo que hay varios motivos del diapasón elevado, pues en la era moderna de la ópera ocurren varios fenómenos. SE DA GRAN IMPORTANCIA A LA ORQUESTA, AL CONDUCTOR Y AL DIRECTOR. Siempre creí que el corazón de la ópera era el canto, no el conductor, la orquesta o el director, que tienen que estar al servicio del canto en escena.

Pero ahora la tendencia es crear “el gran conductor”, y aun el conductor estrella. Así que naturalmente, si uno quiere ser una gran estrella, si uno quiere ser un protagonista de una ópera espectacular cuando dirige, tiene que sacrificar a los demás. No creo que éste sea el modo de servir al canto. Lo más importante es la voz humana, la melodía y el canto. EL CONDUCTOR TIENE QUE ACOMPAÑARLOS. NUNCA PUEDE SER EL PROTAGONISTA.

Otro motivo de ese diapasón tan alto es que los instrumentos se afinan más altos a fin de hacer que la orquesta suene más “brillante” y domine. Así la orquesta se nota más, pero ¿qué pasa con las voces? Las voces humanas son limitadas y, si se aumenta el diapasón, se hace muy difícil para los cantantes. En algunas de las óperas de nuestros días se hace casi imposible cantar, simplemente por que el diapasón está demasiado alto.

La única “solución” es trasponer, pero esto no es bello. Para respetar la voluntad del compositor el músico tiene que mantener la tradición. Si el compositor quería un Do agudo, tiene que ser un Do agudo. Pero a veces el Do agudo es casi medio tono más alto, esto resulta del hecho de que, tras cierto lapso, los instrumentos están todavía más altos que al comienzo, por que se calientan durante la ejecución. Recuerdo que hace muchos años en la ópera de Florencia, donde el diapasón es de los más elevados del mundo, canté I Puritani de Bellini, que es bastante alta para el tenor. Al final de la ópera, pasó algo muy sorprendente, casi loco. LA NOTA MÁS ALTA PARA EL TENOR EN ESA ÓPERA ES UN RE AGUDO, PERO EN ESTE CASO ¡FUE CASI UN MI AGUDO!

Hemos llegado a un punto en que los conductores no quieren retroceder, quieren seguir siendo protagonistas a toda costa. Esto es muy malo para la causa del canto. Probablemente todos los cantantes piensan como yo sobre esta cuestión. Yo tengo la fortuna de tener una voz muy alta, que me permite cantar el repertorio agudo, pero sé que muchos de mis colegas tienen problemas.

¿Qué hacer? Aunque es muy difícil ya cambiar las cosas, creo que se debe hacer algo al respecto de esta situación. Le deseo todo el éxito a esta conferencia, que quiere iniciar el proceso de bajar el diapasón.
Saludos cordiales, Alfredo Kraus.

WOLFGANG SCHNEIDERHAN, violinista; Viena, Austria
Cordiales saludos a esta conferencia, que aborda un asunto de gran importancia para la música.

A primera vista pudiera parecer desusado que un violinista se interese en la altura de la afinación, pero para mí hay dos razones para volver al diapasón bajo de los compositores clasicos.

LA PRIMERA RAZÓN ES MI DIAPASÓN NATURAL, QUE HACE IMPOSIBLE PARA MI IDENTIFICAR COMO LA NOTA LA UN SONIDO QUE NO CAIGA ALREDEDOR DE 430 HERTZ. Ya de niño, en mis lecciones con el profesop Sevcek, tuve que sufrir a veces dolor real, por que su piano estaba afinado demasiado alto para mi oído. Su argumento en pro de la afinación alta: que el tono sonaría mucho más “brillante”.

En segundo lugar, durante mi carrera artística, y en especial por mi estrecha colaboración con mi esposa, la cantante Irmgard Seefried, se me ha hecho clara la gran significación que tiene la afinación baja para el cultivo y el mantenimiento de la voz del cantante.

Desgraciadamente, por buscar mayor “brillo” de tono se la llegado a una situación en que las grandes piezas clásicas se ejecutan a menudo casi medio tono arriba de lo prescrito por el compositor, como lo he confirmado una y otra vez con gran asombro, cuando cotejo con mi piano la altura de la afinación de as emisiones radiofónicas actuales.
Por eso, me complace que presenten ustedes al debate musical la importante cuestión de la afinación; y le deseo completo éxito a la conferencia.
Saludos Cordiales, Wolfgang Schneiderhan.

KURT MOLL, bajo, Bremen, Alemania.
La idea de volver a la afinación baja, con el tono de La = 432 ciclos por segundo, es de la mayor importancia actual y tiene que realizarse si queremos salvaguardar nuestras voces cantantes. Les deseo ventura en la conferencia de Milán y expreso mi apoyo moral para ella.
Kurt Moll.

PLACIDO DOMINGO, México, DF. México.
Lamento no poder asistir a la conferencia de Milán por razones de trabajo, pero espero poder hacerlo en otra ocación. Espero que la conferencia sea un gran éxito, dado que sus resultados serán de veras muy importantes para proteger a los cantantes de nuestra generación.
Saludos Afectuosos. Plácido Domingo.

EDDA MOSER, Bonn, Alemania
Que esta conferencia dé una señal significativa al mundo musical
Edda Moser.

ELISABETH FURTWÄNGLER, Clarens, Suiza
Lamento no poder asistir a su conferencia de Milán en la que les deseo todo el éxito posible.
Saludos cordiales, Elisabeth Furtwängler.

KARL-ADOLF ZENKER, vicealmirante (retirado), Bonn, Alemania
Como miembro del Instituto Schiller, envío mis saludos cordiales a los participantes de la conferencia de Milán y espero que su reunión sea venturosa e inspiradora.
Aunque mi profesión de oficial naval me impidió dedicarme intensamente a la música, siempre estuve intensamente interesado en la música clásica. Desde los once años de edad, tomé clases de violoncello por un tiempo. Nunca logré tocar con maestría ese instrumento maravilloso; fue hasta después de la segunda guerra mundial cuando volví a tomar clases de cello, lo que me permitió alcanzar al menos el nivel intermedio.

Desde entonces he disfrutado muchísimo de mi hermoso violoncello, construido por Giovanni Battista Ruggieri, discípulo de Niccoló Amati, en el año 1705. Este instrumento lo heredé de mi abuelo, que por cierto, fue también oficial naval y un cellista mucho mejor que yo. Yo tuve que dejar la actividad musical por un problema médico con los tendones de mi mano.

Juzgo positivo que esté en aumento el número de jóvenes que tocan instrumentos tradicionales. No es tanto que quieran hacerse profesionales, sino más bien estudiar seriamente la música como aficionados, dado que el actual consumo mecánico o electrónico de música no satisface su deseo de entender el arte.

Me alegra que el Instituto Schiller se ocupe activamente del valor cultural de la música clásica y de su ejecución práctica, y deseo que sus esfuerzos en este respecto sean plenamente venturosos.

* FUNDACIÓN Y OBJETIVOS DECLARADOS DEL INSTITUTO SCHILLER

El instituto fue fundado en una conferencia en Wiesbaden , Alemania , en 1984 por HELGA ZEPP-LAROUCHE , la esposa de origen alemán del activista político Lyndon LaRouche .  Su objetivo declarado es tratar de aplicar las ideas del poeta, dramaturgo y filósofo Friedrich Schiller A LA ACTUAL SITUACIÓN POLÍTICA MUNDIAL.  Hacen hincapié EN EL CONCEPTO DE SCHILLER de la interdependencia de clásica belleza artística con la libertad política, según se detalla en su serie de ensayos titulada CARTAS SOBRE LA EDUCACIÓN ESTÉTICA DEL HOMBRE.

El Instituto Schiller emplea a un gran conjunto de argumentos para esta adaptación, de la exactitud histórica a los reclamos que esta es la forma en que el universo está afinado, con referencias a JOHANNES KEPLER tratados en su obra ” la armonía del mundo” , DONDE SE PROPONE LA IDEA DE QUE EL ORDENAMIENTO DE LAS ÓRBITAS PLANETARIAS SE BASA EN LOS ARMÓNICOS Y LAS RELACIONES ENTRE LOS SÓLIDOS PLATÓNICOS.
El Instituto se opone firmemente al ” Choque de civilizaciones “, tesis de Samuel Huntington , en contraposición a lo que llama un “Diálogo de las Culturas”.

El 26 de noviembre de 1984, el instituto lanzó una “DECLARACIÓN DE LOS DERECHOS INALIENABLES DEL HOMBRE”, que lo describe como “la base de la labor del Instituto y los esfuerzos de todo el mundo.”  Dice en parte :

Por lo tanto, los representantes de los Pueblos del Mundo, apelando al Juez Supremo del mundo, hacer …  solemnemente hacemos público y declaramos que todos los países del mundo son y por derecho deben ser, estados libres e independientes.  Que todos los seres humanos en este planeta tienen derechos inalienables, que les garanticen la vida, la libertad, las condiciones materiales de dignidad del hombre, Y EL DERECHO A DESARROLLAR PLENAMENTE TODAS LAS POTENCIALIDADES DE SU INTELECTO Y SU ALMAQue, por tanto, un cambio en el actual orden económico y monetario es necesario y urgente establecer la justicia entre los pueblos del mundo.

– Firmantes de la conferencia del Instituto Schiller

EN 1999, EL INSTITUTO HIZO CIRCULAR UNA PETICIÓN EN FAVOR DE LA CREACIÓN DE UNA ORQUESTA PERMANENTE EN CASA DE LA INFANCIA DE VERDI EN BUSSETO, ITALIA, el empleo de la puesta a punto especial para para conmemorar el centenario del compositor.  Los firmantes de las peticiones han incluido NORBERT BRAININ Violinista ex primera del Cuarteto Amadeus , y las voces siguientes: William Warfield (barítono), Carlo Bergonzi (tenor), y Piero Cappuccilli (barítono).  Otros cantantes bien conocidos que apoyaron la iniciativa incluyen Shirley Verrett (soprano), Joan Sutherland (soprano), Jorge Shirley (tenor), LUCIANO PAVAROTTI (TENOR), Sherrill Milne (barítono), Fedora Barbier (mezzosoprano), Grace Bumbry (soprano) , Elly Ameling (soprano), Peter Schreier (tenor), Birgit Nilsson (soprano), Dietrich Fischer-Dieskau (barítono), Kurt Moll (bajo), Marilyn Horne (mezzosoprano) y Ruggero Raimondi (bajo).

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Andantino de Mozart  EN 432Hz – 440Hz

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DesArmonización Musical Global

¿CUÁNDO NOS CAMBIARON LA FRECUENCIA? DE 432Hz a 440Hz Y POR QUÉ?

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GRACIAS ANGEL

Un ministro de propaganda nazi llamado JOSEPH GOEBELS creó un decreto universal en 1939 por el cuál se instaba a todo el mundo a afinar el LA musical a 440 Hertzios, en lugar de a 432 Hz, frecuencia a la que se afinaba toda la música hasta el momento. DESDE 1939 HASTA HOY EN DÍA SE HA ENTONADO A ESA FRECUENCIA.

Esto provoca en la gente pensar y sentir de una manera determinada Y SE LA MANTIENE SUMIDA EN UN DESORDEN INTERNO.En 1953 el decreto de Goebels fue aprobado por parte de la Organización Internacional de Normalización (ISO).

ESTO OCURRIÓ A PESAR DE LOS ESFUERZOS DE UN GRAN NÚMERO DE MÚSICOS FRANCESES QUE APOYADOS POR EL CONSERVATORIO DE PARÍS, ORGANIZARON UN REFERÉNDUM PARA PRESERVAR EL LA AFINADO A 432 HZ.

El LA afinado a 432hz ha estado oculto al mundo por ser el punto de balance sónico de la naturaleza.

“432 HZ VIBRA EN LOS PRINCIPIOS DE LA MEDIA DE ORO PHI Y UNIFICA LAS PROPIEDADES DE LA LUZ, TIEMPO, ESPACIO, MATERIA, GRAVEDAD Y EL MAGNETISMO CON LA BIOLOGÍA, EL CÓDIGO DEL ADN Y LA CONCIENCIA.

La afinación natural a 432 Hz tiene efectos profundos en la consciencia y también en el nivel celular de nuestro cuerpo.

Por la re-sintonización de instrumentos musicales y el uso de la afinación de concierto a 432 hertzios en vez de 440 hertzios, tus átomos y el ADN empiezan a resonar en armonía con la espiral de PHI de la Naturaleza.” (Brian T. Collins)

Toda la música que escuchamos en este momento, genera una frecuencia inarmónica con el planeta y con el organismo humano.

Una nota hace 12 armónicos, porque pone en resonancia las 12 notas de la escala musical (con medios tonos y sostenidos). Las notas hacen 12 armónicos, cuando se toca una nota afinada a un LA afinado a 432 Hz. CUANDO UNO TOCA EN UN LA AFINADO A 440 HZ, SÓLO SE HACEN 8 ARMÓNICOS. LA MÚSICA AFINADA A 440 HZ ES MÚSICA MUY POBRE.

La frecuencia del planeta Tierra es de 8 Hz. Las ondas alfa, la frecuencia del cerebro en estado de relajación profunda, son ondas a 8 Hz. AFINAR A 440, HACE QUE LA BASE NO SEA 8, SINO 8’25, lo cual significa que los armónicos que generan no son armónicos con el planeta.

El Ser Humano funciona en un rango de frecuencia que va de 16 a 32 Hertzios, lo que equivale en la escala musical, del do al do, o sea, una octava. Afinar a 440 Hz tampoco es armónico con la frecuencia del Ser Humano porque la base es 16,5.La primera alteración física que podemos notar cuándo llevamos un rato escuchando música, es cansancio, fatiga, ganas de no hacer nada, y esto sucede porque los armónicos de la música no encajan con la frecuencia vibratoria del ser humano.

LA FRECUENCIA EN LA QUE NOS METE LA MÚSICA AFINADA A 440 HZ NOS HACE SENTIR INSEGURIDAD, MIEDO, ANGUSTIA Y DESORDEN INTERNO.

Durante muchos años ha interesado que la Humanidad esté sumida en la oscuridad.

Si la música no está en armonía con el planeta, no está en armonía con el Ser humano y cómo consecuencia se producen alteraciones en ambos.

PARA EVITAR QUE ESTO CONTINÚE SUCEDIENDO, DEBERÍAMOS AFINAR LA MÚSICA A 432 HZ. Y podemos hacerlo pasando toda nuestra música al ordenador, y utilizar un programa que permita bajar la frecuencia. Las interpretaciones sonarán un poco más lentas, pero es casi imperceptible. HAY PROGRAMAS DE ORDENADOR QUE SIRVEN PARA MANEJAR, EDITAR Y GRABAR MÚSICA. Por ejemplo el de Mac, Garage Band.

Esta música después se debe pasar a DVD en lugar de en CD, PORQUE LOS CD’S NO TIENEN CAPACIDAD DE MANEJAR 12 ARMÓNICOS, SÓLO MANEJAN 8 ARMÓNICOS, Y NO SERVIRÍA DE NADA PORQUE ESTARÍAMOS RECORTANDO 4 ARMÓNICOS.

LA MÚSICA GRABADA EN CD ES CORTANTE, DURA, FRÍA, EN CAMBIO GRABADA EN DVD ES MÁS CÁLIDA PORQUE PERMITE GRABAR CON LOS 12 ARMÓNICOS.

ver Artículo original  escrito por: Brian Collins T

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Música a 432 Hz para vibrar mejor

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1 Hour 432Hz Schumann Resonance Meditation
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MusicoTerapia

  PARA CADA DOLENCIA, UNA MÚSICA:

MUSICOTERAPIA, MÚSICA PARA CURAR

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Realmente, es excelente, a ponerlo en practica!!
 Gina de Rezkalah 
 
  Centro Espírita “Amalia Domingo Soler”
Jr. Salaverry Nº 632-1 A Magdalena del Mar
                  Lima-Perú
 263-3201              Cel: 991180873

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GRACIAS CLAUDIO

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La musicoterapia es una técnica terapéutica que utiliza la música en todas sus formas con participación activa o receptiva por parte del paciente. Todos nosotros sabemos reconocer cuándo una canción nos parece alegre o nos parece triste. Generalmente asociamos nuestro estado de ánimo a la melodía de numerosas obras de todo tipo. PUES BIEN, PRECISAMENTE LA MUSICOTERAPIA RECURRE A ESTAS MELODÍAS COMO MÉTODO PARA CURAR O REDUCIR DIVERSOS PROBLEMAS DE SALUD.

La idea de base es reconocer que gran parte de las enfermedades tienen su origen en el cerebro, quien luego transmite a una parte del cuerpo un estímulo determinado que reproduce una enfermedad. Con la musicoterapia SE INTENTA HACER LLEGAR AL CEREBRO unos estímulos que le lleven a una relajación o anulación de los que reproducen la enfermedad, a través de diversas melodías con las que se pueden conseguir efectos sorprendentes.

Aunque la musicoterapia ya se conoce desde la antigüedad, en los años 40 de nuestro siglo se utiliza como rama de medicina recuperativa, que con efectos fisiológicos, afectivos y mentales, contribuye a un equilibrio psicofísico de las personas. HOY EN DÍA SE APLICA FUNDAMENTALMENTE EN DESEQUILIBRIOS NERVIOSOS, INFLUYE POSITIVAMENTE SOBRE EL CORAZÓN Y PULMONES, ALCOHOLISMO, DROGAS Y COMO PREVENCIÓN DE SUICIDIOS, aunque todavía es necesario profundizar mucho más en el tema.

El esquema básico de trabajo en esta disciplina contempla tres aspectos: la interacción positiva del paciente con otros seres, la autoestima y el empleo del ritmo como elemento generador de energía y orden. La musicoterapia actúa como motivación para el desarrollo de autoestima, con técnicas que provoquen en el individuo sentimientos de autorrealización, autoconfianza, autosatisfacción y mucha seguridad en sí mismo. El ritmo, elemento básico, dinámico y potente en la música, es el estímulo orientador de procesos psicomotores que promueven la ejecución de movimientos controlados: desplazamientos para tomar conciencia del espacio vivenciados a través del propio cuerpo.

LA HERRAMIENTA SONORA MÁS PODEROSA SEGÚN MUCHOS TERAPEUTAS DEL SONIDO ES EL CANTO DE ARMÓNICOS. A través de nuestras propias voces, podemos proyectar a la parte enferma la frecuencia de resonancia correcta, y devolver su frecuencia normal. Según Jonh Beaulieu, la entonación de armónicos AFECTA INCLUSO AL FLUJO DE LA KUNDALINI DE LAS TRADICIONES MÍSTICAS. Tema muy relacionado con los mantrams tibetanos realizados para limpiar los chakras y despertar su energía para alcanzar la iluminación.

Aquí dejamos una lista de obras clásicas y su virtud, que pueden escuchar en una ventana de la PC, mientras siguen trabajando en otra ventana, simultáneamente

Insomnio

(op. 9 No. 3)
(op. 15 No. 2)
(op. 9 n.º 2) http://www.youtube.com/watch?v=YGRO05WcNDk&feature=related%5D

Preludio para la siesta de un Fauno de Debussy

Canon en Re de Pachelbel

Hipertensión:

Las cuatro estaciones de Vivaldi

Serenata nº13 en Sol Mayor de Mozart

Música acuática de Haendel

Ansiedad:

Concierto de Aranjuez de Rodrigo

Las cuatro estaciones de Vivaldi

La sinfonía Linz, k425 de Mozart

Dolor de Cabeza:

Sueño de Amor de Liszt

Serenata de Schubert

Himno al Sol de Rimsky-Korsakov

Dolor de estómago:

Música para la Mesa de Telemann

Concierto de Arpa de Haendel

Concierto de oboe de Vivaldi

Energéticas:

La suite Karalia de Sibelius

Serenata de Cuerdas (op. 48) de Tschaikowsky

Obertura de Guillermo Tell de Rossini

Para la Sanación y armonía de tu hogar:

Todo lo de Wolfang Amadeus Mozart

El Mago de los Molinos

Mägo de Oz es un grupo español de folk metal formado en mayo de 1988 por el baterista Txus di Fellatio en el Barrio de Begoña, Madrid. Inicialmente llamado Transilvania, en honor a Iron Maiden, no sería hasta 1989 cuando pasara a llamarse Mägo de Oz.1

A pesar de las controversias varias que les han atribuido sus detractores casi desde sus inicios (desde acusaciones de comercialidad por su éxito en listas de música convencional, hasta acusaciones de satanismo por parte de diversas organizaciones religiosas en España y América por su disco Gaia II: La Voz Dormida), Mägo de Oz se han consagrado definitivamente como una de las bandas más importantes del rock español.

En 1998 graban el disco La leyenda de la Mancha, inspirados por la novela de Miguel de Cervantes El ingenioso hidalgo don Quijote de La Mancha. Deciden contar la historia de Don Quijote de una forma peculiar, característica del grupo. De este álbum destaca su sencillo “Molinos de viento”

GRACIAS CLAUDIO



Si acaso tu no ves
Mas allá de tu nariz
Y no oyes a una flor reír


Si no puedes hablar
Sin tener que oír tu voz
Utilizando el corazón


Amigo Sancho escúchame,
No todo tiene aquí un porqué
Un camino lo hacen los pies


Hay un mundo por descubrir
Y una vida que arrancar de arrancar
De brazos del guión final


A veces siento al despertar
Que el sueño es la realidad


Bebe, danza, sueña
Siente que el viento
Ha sido echo para ti


Vive, escucha y habla
Usando para ello
el corazón


Siente que la lluvia
Besa tu cara
Cuando haces el amor


Grita con el alma
Grita tan alto
Que de tu vida, tu seas
Amigo el único actor

….SOLO DE VIOLIN……

Sí acaso tu opinión
Cabe en un sí o un no
Y no sabes rectificar


Si puedes definir
el odio o el amor
Amigo que desilusión


No todo es blanco,
O negro: es gris
Todo depende del matiz,
Busca y aprende a distinguir


La luna puede calentar
Y el sol tus noches acunar
Los árboles mueren de pie.


He visto un manantial llorar
Al ver sus aguas ir al mar


Bebe, danza, sueña
Siente que el viento
Ha sido echo para ti


Vive, escucha y habla
Usando para ello
el corazón


Siente que la lluvia
Besa tu cara
Cuando haces el amor


Grita con el alma
Grita tan alto
Que de tu vida, tu seas
Amigo el único actor

…SOLO DE GUITARRA…

A veces siento al despertar
Que el sueño es la realidad


Bebe, danza, sueña
Siente que el viento
Ha sido echo para ti


Siente que la lluvia
Besa tu cara
Cuando haces el amor


Grita con el alma
Grita tan alto


Que de tu vida, tu seas
Amigo el único actor


Bebe, danza, sueña
Siente que el viento
Ha sido echo para ti


Vive, escucha y habla
Usando para ello
el corazón


Siente que la lluvia
Besa tu cara
Cuando haces el amor


Grita con el alma
Grita tan alto
Que de tu vida, tu seas
Amigo el único actor

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ORACIÓN en Bandoneón

Astor Piazzolla

Balada para un loco

Adiós Nonino

Astor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921Buenos Aires, 4 de julio de 1992) fue un bandoneonista y compositor argentino.

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Según muchos especialistas, fue uno de los músicos de tango más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Estudió armonía y música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger (18871979). En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo.

Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango en lo que respecta a ritmo, timbre y armonía, fue muy criticado por los tangueros de la «Guardia Vieja», ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación. En los años posteriores sería reivindicado por intelectuales y músicos de rock.

Cuando en los años cincuenta y sesenta los tangueros ortodoxos —que lo consideraban «el asesino del tango»— decretaron que sus composiciones no eran tango, Piazzolla respondió con una nueva definición:

 «Es música contemporánea de Buenos Aires».

Sus obras no eran difundidas por las estaciones radiodifusoras y los comentaristas seguían atacando su arte.

Los sellos discográficos no se atrevían a editarla. Lo consideraron un snob irrespetuoso que componía música híbrida, con exabruptos de armonía disonante.

Balada para un loco

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El sencillo Balada para un loco creada por Astor Piazzolla y Horacio Ferrer en 1969, es una conocida canción argentino-uruguayo que significó una ruptura con la tradición y un hito para el tango canción. Fue interpretado por primera vez por Amelita Baltar, con quien quedó desde entonces asociada.

Estreno escandaloso

La canción fue una ruptura radical del tango cantado hasta ese momento y un hito del nuevo tango.

El tema fue estrenado en un escandaloso Festival de Buenos Aires de la Canción y la Danza en el Luna Park el 16 de noviembre de 1969, que terminó con el público dividido entre los que consideraban que eso era tango y los que no.

Para evitar que “Balada para un loco” ganara, los organizadores improvisaron un jurado popular, que terminó modificando la decisión favorable del jurado internacional (integrado entre otros por Vinícius de Moraes, Chabuca Granda, etc) para darle el premio a un tango llamado “Hasta el último tren” cantado por Jorge Sobral.

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Éxito

El escándalo popularizó la canción que salió a la venta como simple al día siguiente.

La ciudad comenzó a llenarse de muñequitos con medio melón en la cabeza, como dice la canción.

Un mes después la grababa también el destacado cantor de tangos Roberto Goyeneche.

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1.-VIDEO Amelita Baltar y la Balada para un Loco

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LETRA DE LA CANCIÓN

“Las tardecitas de Buenos Aires tienen ese qué sé yo, ¿viste? Salgo de casa, por Arenales. Lo de siempre: en la calle y en mi… Cuando, de repente, de atrás de ese árbol, se aparece él. Mezcla rara de penúltimo linyera y de primer polizonte en el viaje a Venus: medio melón en la cabeza, las rayas de la camisa pintadas en la piel, dos medias suelas clavadas en los pies, y una banderita de taxi libre levantada en cada mano. Parece que sólo yo lo veo. Porque él pasa entre la gente, y los maniquíes le guiñan; los semáforos le dan tres luces celestes, y las naranjas del frutero de la esquina le tiran azahares. Y así, medio bailando y medio volando, se saca el melón, me saluda, me regala una banderita, y me dice…

(Cantado)

Ya sé que estoy piantao, piantao, piantao…

No ves que va la luna rodando por Callao;

que un corso de astronautas y niños, con un vals,

me baila alrededor… ¡Bailá! ¡Vení! ¡Volá!

Ya sé que estoy piantao, piantao, piantao…

Yo miro a Buenos Aires del nido de un gorrión;

y a vos te vi. tan triste…¡Vení! ¡Volá! ¡Sentí!…

el loco berretín que tengo para vos:

¡Loco! ¡Loco! ¡Loco!

Cuando anochezca en tu porteña soledad,

por la ribera de tu sábana vendré

con un poema y un trombón

a desvelarte el corazón.

¡Loco! ¡Loco! ¡Loco!

Como un acróbata demente saltaré,

sobre el abismo de tu escote hasta sentir

que enloquecí tu corazón de libertad…

Ya vas a ver!

(Recitado)

Y, así diciendo, el loco me convida

A andar en su ilusión super-sport,

y vamos a correr por las cornisas

¡con una golondrina en el motor!

Del manicomio aplauden: “¡Viva! ¡Viva!”,

los locos que inventaron el Amor;

y un ángel y un soldado y una niña

nos dan un valsecito bailador.

Nos sale a saludar la gente linda…

Y el loco, loco mío, ¡qué sé yo!,

provoca campanarios con su risa,

y al fin, me mira, y canta a media voz:

(Cantado)

Quereme así, piantao, piantao, piantao…

Trepáte a esta ternura de locos que hay en mí,

ponete esta peluca de alondras, ¡y volá!

¡Volá conmigo ya! ¡vení, volá, vení!

Quereme así, piantao, piantao, piantao…

Abrite los amores que vamos a intentar

la mágica locura total de revivir…

¡Vení, volá, vení!

(recitado)

¡Viva! ¡Viva! ¡Viva!

¡Loco él y loca yo!

¡Locos! ¡Locos! ¡Locos!

¡Loco él y loca yo!

Letra: Horacio Ferrer

Música: Astor Piazzolla

Canto: Amelita Baltar

Adiós Nonino

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Adiós Nonino es una pieza musical de tango, compuesta por el músico y compositor argentino Astor Piazzolla; es considerada por muchos como la mejor y más representativa obra del autor

Historia

En el año 1959, Piazzolla se encontraba realizando una gira por Centroamérica cuando, durante una presentación en Puerto Rico junto a Juan Carlos Copes y María Nieves Rego, recibe la noticia de la muerte de su padre, Vicente Piazzolla, apodado Nonino, debido a un accidente de bicicleta en su ciudad natal, Mar del Plata.

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Esta noticia, sumada al fracaso de la gira, a los problemas económicos y a la nostalgia que producía estar lejos de su país natal, llevó a Piazzolla a la depresión. Es cuando retorna, en octubre de ese año, a la ciudad de Nueva York (lugar donde residía temporalmente con su familia), que compone esta maravillosa obra, en homenaje a su padre, basada en Nonino, otro tango que Astor había compuesto cinco años antes en París, también dedicada a Vicente Piazzolla.

Papá nos pidió que lo dejáramos solo durante unas horas. Nos metimos en la cocina. Primero hubo un silencio absoluto. Al rato, oímos que tocaba el bandoneón. Era una melodía muy triste, terriblemente triste. Estaba componiendo Adiós Nonino.

Daniel Piazzolla, su hijo. Astor, Diana Piazzolla, 1986

2.- VIDEO Astor piazzolla Adiós Nonino cantada por Eladia Blásquez:

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LETRA DE ADIÓS NONINO

Música: Astor Piazzolla

Letra: Eladia Blázquez

Desde una estrella al titilar…
Me hará señales de acudir,
por una luz de eternidad
cuando me llame, voy a ir.
A preguntarle, por ese niño
que con su muerte, lo perdí,
que con “Nonino” se me fue…
Cuando me diga, ven aquí…
Renaceré… Porque…

¡Soy…! la raíz, del país
que amasó con su arcilla.
¡Soy…! Sangre y piel, del “tano” aquel,
que me dio su semilla.
Adiós “Nonino”.. que largo sin vos,
será el camino.
¡Dolor, tristeza, la mesa y el pan…!
Y mi adiós.. ¡Ay! Mi adiós,
a tu amor, tu tabaco, tu vino.
¿Quién..? Sin piedad, me robó la mitad,
al llevarte “Nonino”…
Tal vez un día, yo también mirando atrás…
Como vos, diga adiós ¡No va más..!
Recitado:
Y hoy mi viejo “Nonino” es una planta.
Es la luz, es el viento y es el río…
Este torrente mío lo suplanta,
prolongando en mi ser, su desafío.
Me sucedo en su sangre, lo adivino.
Y presiento en mi voz, su propio eco.
Esta voz que una vez, me sonó a hueco
cuando le dije adiós Adiós “Nonino”.

¡Soy…! La raíz, del país
que amasó con su arcilla…
¡Soy…! Sangre y piel,
del “tano” aquel,
que me dio su semilla.
Adiós “Nonino”… Dejaste tu sol,
en mi destino.
Tu ardor sin miedo, tu credo de amor.
Y ese afán… ¡Ay…! Tu afán
por sembrar de esperanza el camino.
Soy tu panal y esta gota de sal,
que hoy te llora “Nonino”.
Tal vez el día que se corte mi piolín,
te veré y sabré… Que no hay fin.

3.-VIDEO Adiós Nonino En Casamiento :

4.-VIDEO Adios Nonino Astor Piazzolla Tango Raphsody


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CARICIAS Prohibidas

VITI RUIZ

EXTRACTO DE LA ENTREVISTA EN RADIO CAPSEOJ  VENEZUELA.

Viti Ruíz: “Es un honor visitar Radio Capseoj”

El conductor del programa Sólo Salsa, Nicolás Rivera estuvo conversando con él durante más de una hora en una exclusiva que hizo llenar de fanáticos y fanáticas las instalaciones de la primera radio de trabajadores y trabajadoras en toda Venezuela……….

En el Perú, específicamente en el callao hay un público exigente, en esa tribuna estuvo Héctor Lavoe en uno de sus últimos conciertos, y tú estuvisteis también allí ¿Qué sintióVití Ruíz al ser ovacionado por 40 mil personas que ya habían recibido a Hector?
A veces uno se cree artista, y la palabra artista es muy grande, uno tiene que sembrar, caminar y luchar por eso.

Yo creía que era bravo pero cuando vi. 40 mil personas en el Callao las rodillas me temblaron y yo dije pon caricia, pon tiemblo para que no se den cuanta que estoy temblando en verdad y es que al sentir ese calor de tanta gente fue una experiencia muy bonita de verdad.


https://unicocomotu.files.wordpress.com/2011/11/bailando_salsa.png?w=178

BIOGRAFÍA

Viti Ruiz. nació en Paterson, New Jersey, el 5 de mayo de 1966, de padres Mayagüezanos. Se crio en Mayagüez y a los trece años ya vocalizaba con una orquesta local llamada Creación Boricuaa los dieciséis años graba su primera canción titulada ‘el estudiante’ en una producción de Johnny Ortiz, con la participación de la “orquesta panamericana” de coamito. Dicha producción que fue llamada “la maquina de los 80”, tuvo un escogido de cantantes como Tito Gómez, Pedro Arroyo y Junior González, entre otros. en el 1986, Viti se integro a la orquesta de su hermano, Frankie Ruiz, como corista y en el 1989 graba su primera grabación como solista, la cual se titulo “sedúceme” esta vez bajo la producción de combo records causando gran sensación a nivel internacional con sus éxitos “entre familia”, “caricias prohibidas” (mejor conocida como “tiemblo”), “me muero por estar contigo”, “sola mia” y otros.

En 1990, graba su segunda producción titulada “Viti at Work”, bajo el sello capítol records, extendiéndose por territorios como México, Tenerife, Colombia, Santo Domingo y otros países. Sus mas notables éxitos fueron “fuego, fuego” y “quiero amanecer con alguien”. En 1993 Viti regresa nuevamente a su casa disquera “combo records” con una producción titulada “Me tienes sufriendo y “solo tu”, entre otros. Al reaparecer nuevamente con su cuarta produccion musical “cara bonita”, Viti ha causado gran impacto por su calidad interpretativa en acetato. Esta producción, dirigida por su ya fallecido hermano el legendario Frankie Ruiz (como si, simbólicamente le otorgara la batuta del legado Ruiz), también cuenta con la participación del propio Frankie en la interpretación de “cara bonita”. en 1989 Viti gano el premio “diplo” en Puerto Rico como orquesta prometedora, mientras que el 1990 recibio el premio “ovación” como revelación del año en Chicago. También, fue nominado a los premios “lo nuestro” en 1989.

Viti Ruiz colecciona orgullosamente innumerables reconocimientos en placas y pergaminos recibidos de su extensa fanaticada a nivel internacional se le conoce como “el ruiseñor de la salsa” y en Venezuela como “el ídolo de los estudiantes”. “en Providence Rhode Island, el sonero de pueblo en vivo y en concerto “Viti Ruiz” y su amigos su 20 aniversario de pueblo julio 31 del 2009 en el platinum night club diversion al mas alto nivel.

CANCIONES

  • Entre Familia
  • Tiemblo o ( caricias prohibidas)
  • Magia Rosa
  • Quiero Dormir Cansado
  • Me muero por estar con tigo

Tiemblo cada vez que te miro a los ojos tu
sabes que tiemblo, cada vez que tu cuerpo se
acerca a mi cuerpo yo tiemblo, porque se que todo
terminara en hacer el amor…
Tu haces que de noche yo pierda la calma y hasta
la verguenza, cada vez que yo siento tu aliento
tocar a mi puerta, si al oído me dices todas esas
cosas que me hacen soñar…….

Y cuando me haces caricias, caricias prohibidas capaces de mover montes y colinas, que encienden tu cuerpo y casi sin ganas transportan tu alma a un mundo de cuentos…caricias que te hacen olvidar el tiempo y volar,y volar cual si fuera hoja al viento, y estalla el volcán que yo llevo por dentro y sobre tu pecho descanso en silencióooooo

Tiemblo cada vez que te miro a los ojos tu
sabes que tiemblo, cada vez que tu cuerpo se
acerca a mi cuerpo yo tiemblo, porque se que todo
terminara en hacer el amor…
Tu haces que de noche yo pierda la calma y hasta
la verguenza, cada vez que yo siento tu aliento
tocar a mi puerta, si al oído me dices todas esas
cosas que me hacen soñar…….

Y cuando me haces caricias, caricias prohibidas capaces de mover montes y colinas, que encienden tu cuerpo y casi sin ganas transportan tu alma a un mundo de cuentos…caricias que te hacen olvidar el tiempo y volar,y volar cual si fuera hoja al viento, y estalla el volcán que yo llevo por dentro y sobre tu pecho descanso en silencioooooo

CORO:
Tiemblo
Cada vez que te miro a los ojos me sonrojo
Tiemblo
Tu cuerpo se acerca a mi cuerpo y yoooo…
Tiemblo
Porque se que todo terminara ennnn…
Tiemblo
Los dos juntitos haciendo el amor
Tiemblo
Cuando me dices esas cosas besándome al oído
Tiemblo
Te juro yo me estremesco todito
Tiemblo
Cuando haces que de noche yo pierda la verguenza
Tiemblo
Al sentir tu aliento acercarce a mi puerta

Tiemblo
Me haces caricias prohibidas capaces de encenderme
Tiemblo
Y casi sin ganas transportan tu alma
Tiemblo
A un mundo de cuentos viajando en la cama
Tiemblo
Y vuela, y vuela y vuela cual si fuera al viento
Tiemblo
Y estallo el fuego y te quemo por dentro
Tiemblo
Y sobre tu pecho tranquilo me duermo

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La vie en ROSE

Cantante del music-hall

La vie en rose

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En marzo de 1936, debutó en el género de music-hall en el teatro abc de París.

Se convierte inmediatamente en una estrella de la canción francesa, adorada por el público y difundida por la radio.

En 1940 Piaf triunfa en el Bobino con una pieza escrita especialmente para ella por Jean Cocteau llamada Le Bel Indiférent, que interpreta con éxito, junto al actor Paul Meurisse. Siempre con Paul como partenaire, en 1941, Piaf interpreta la película de Montmartre-sur-Seine de Georges Lacombe. Durante el rodaje de ese largometraje, Edith conoce a Henri Contet, que, como Marguerite Monnot, se convertirá en uno de sus autores fetiches.

Durante la ocupación alemana, la cantante cambia su nombre artístico de “La Môme Piaf” por el de “Edith Piaf” y continua dando conciertos, sin ceder a la ocupación nazi. Ella interpreta canciones con un doble sentido evocando la Resistencia cuando interpreta Tu es partout en la que alude a la traición de un amante. En este período tan difícil para todos los habitantes de Francia, Piaf se erige como protectora de los artistas judíos, perseguidos por militares alemanes.

En la primavera de 1944 se presenta en el Moulin Rouge, donde el joven cantante de music-hall Yves Montand forma parte importante del espectáculo. Se produce un flechazo entre los dos artistas y Édith Piaf lo presenta a las personas más importantes de la época en el mundo del espectáculo: Joseph Kosma, Henri Crolla, Loulou Gasté, Jean Guigo, Henri Contet, Louiguy, Marguerite Monnot, Bob Castella, Francis Lemarque

Durante la guerra, Edith Piaf cantaba en los clubes y music-halls, en donde conoció a su contemporánea alemana Ilona Hesse, y ayudaba a los prisioneros a escapar.

Tras la guerra, en 1945, escribe la letra de La vie en rose, su canción más célebre, que interpreta en la Comédie-Française.

Yves Montand, por su parte, se convierte en una estrella del music-hall. Montand debuta en el cine junto a Édith Piaf en Étoile sans lumière, para luego obtener su primer papel protagonista en Les portes de la nuit de Marcel Carné. Ambos parten en gira el año 1946, en el cual se separan. En 1946 la cantante se presenta con el grupo Les Compagnons de la Chanson con el que interpreta Les Trois Cloches con gran éxito. En 1947 parte de gira a los Estados Unidos

Francés
La vie en rose
Español
La vida en rosa
Des yeux qui font baisser les miens
Un rire qui se perd sur sa bouche
Voilà le portrait sans retouche
De l’homme auquel j’appartiens
Unos ojos que hacen que los míos se bajen,
una sonrisa que se pierde en su boca,
este es el retrato sin retoque
del hombre al que pertenezco.
Quand il me prend dans ses bras
Il me parle tout bas
Je vois la vie en rose
Cuando él me toma en sus brazos,
me habla en bajo,
yo veo la vida en rosa.
Il me dit des mots d’amour
Des mots de tous les jours
Et ça me fait quelque chose
Me recita palabras de amor,
palabras de cada día,
y me hace sentir algo.
Il est entré dans mon coeur
Une part de bonheur
Dont je connais la cause
Él entró en mi corazón,
una parte de felicidad
de la que conozco la causa.
C’est lui pour moi, moi pour lui dans la vie
Il me l’a dit, l’a juré pour la vie
Es él por mi, yo por él, en la vida,
él me lo dijo, lo ha jurado para siempre.
Et dès que je l’aperçois
Alors je sens en moi
Mon coeur qui bat
Y, desde que lo aprecio,
entonces siento en mí
mi corazón latiendo.
Des nuits d’amour à plus finir
Un grand bonheur qui prend sa place
Les ennuis, les chagrins s’effacent
Heureux, heureux à en mourir
Unas noches de amor interminables,
una gran felicidad que coge sitio,
los problemas, las tristezas se borran.
Felices, felices a morir.
Quand il me prend dans ses bras
Il me parle tout bas
Je vois la vie en rose
Cuando él me toma en sus brazos,
me habla en bajo,
yo veo la vida en rosa.
Il me dit des mots d’amour
Des mots de tous les jours
Et ça me fait quelque chose
Me recita palabras de amor,
palabras de cada día,
y me hace sentir algo.
Il est entré dans mon coeur
Une part de bonheur
Dont je connais la cause
Él entró en mi corazón,
una parte de felicidad
de la que conozco la causa.
C’est toi pour moi, moi pour lui dans la vie
Il me l’a dit, l’a juré pour la vie
Es él por mi, yo por él, en la vida,
él me lo dijo, lo ha jurado para siempre.
Et dès que je l’aperçois
Alors je sens en moi
Mon coeur qui bat
Y, desde que lo aprecio,
entonces siento en mí
mi corazón latiendo.

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HIMNOAL AMOR

Himno al AMOR

 

Édith Piaf

Édith Piaf (París, 19 de diciembre de 1915 Plascassier (Grasse, Alpes Marítimos), 11 de octubre de 1963), cuyo verdadero nombre era Édith Giovanna Gassion, fue una de las cantantes francesas más célebres del siglo XX. Su deceso se produce el 10 de octubre de 1963 (a los 47 años) en Grasse, Francia; y sus restos fueron llevados a París, lugar en que se anunció oficialmente su muerte el 11 de octubre de 1963. A “La Môme Piaf”, así llamada en sus inicios, se le deben numerosas canciones del repertorio francófono como La vie en rose, Non, je ne regrette rien, Hymne à l’amour, Mon légionnaire, La Foule o Milord, conocidas mundialmente. Personalidad destacada, Piaf inspiró a numerosos compositores, siendo la mentora de jóvenes artistas que tuvieron fama internacional.

Édith Piaf también se destacó como actriz de cine y teatro participando de numerosos films y obras de teatro a lo largo de su carrera artística.

L’Hymne à l’Amour

Le ciel bleu sur nous peut
s’effondrer
Et la terre peut bien s’écrouler
Peu m’importe si tu m’aimes
Je me fous du monde entier

Tant qu’l’amour inond’ra mes matins
Tant qu’mon corps frémira
sous tes mains
Peu m’importent les problèmes
Mon amour puisque tu m’aimes

J’irais jusqu’au bout du monde
Je me ferais teindre en blonde
Si tu me le demandais
J’irais décrocher la lune
J’irais voler la fortune
Si tu me le demandais

Je renierais ma patrie
Je renierais mes amis
Si tu me le demandais
On peut bien rire de moi
Je ferais n’importe quoi
Si tu me le demandais

Si un jour la vie t’arrache à moi
Si tu meurs que tu sois loin de moi
Peu m’importe si tu m’aimes
Car moi je mourrai aussi
Nous aurons pour nous l’éternité
Dans le bleu de toute l’immensité
Dans le ciel plus de problèmes
Mon amour crois-tu qu’on s’aime

Dieu réunit ceux qui s’aiment

El Himno al Amor

El cielo azul sobre nosotros se puede
derrumbar,
y la tierra se puede incluso desmoronar,
poco me importa, si tú me amas
que se joda el mundo entero.

Mientras que el amor inunde mis mañanas,
mientras que mi cuerpo se estremezca
bajo tus manos,
poco me importan los problemas,
mi amor, porque tú me amas.

Iré hasta el fin del mundo,
me haré teñir de rubio,
si tú me lo pides.
Iré a descolgar la luna,
iré a robar la fortuna,
si tú me lo pides.

Renegaré de mi patria,
Renegaré de mis amigos,
si tú me lo pides.
Pueden incluso reirse de mí,
haré no importa qué,
si tú me lo pides.

Si un día la vida te arranca de mí,
si mueres porque estás lejos de mí,
poco me importa, si tú me amas,
porque yo también moriré.
Tendremos para nosotros la eternidad
en el azul de toda la inmensidad.
En el cielo, ya sin problemas,
mi amor, cree que nos amaremos.

Dios reune a los que se aman.

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Infancia

Su historia comenzó en París, el 19 de diciembre de 1915, bajo el nombre de Edith Giovanna Gassion. Su padre, Luis Alfonso Gassion (nacido en Castillon en la región de Calvados en Normandía el 10 de mayo de 1881), era acróbata, y para celebrar su nacimiento se emborrachó y dejó a su madre, quien era cantante ambulante, Annetta Maillard (18951945), de origen italoBereber.

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Placa en el 72 de la rue de Belleville, XX Distrito de París.

Sin apoyo, ella tuvo que afrontar el parto sola. Por ello, salió a las calles por sus propios medios, pero no consiguió llegar al hospital y Edith nació en plena calle debajo de una farola frente al número 72 de la rue de Belleville en París.

Siendo una pequeña, su madre, demasiado pobre como para criarla, la confía a su madre, (abuela materna de Édith), Aïcha Saïd Ben Mohammed (18761930) originaria de Cabilia, quien en vez de darle leche con biberón, la alimentaba con vino, con la excusa de que así se eliminaban los microbios. Después la entrega a su padre, quien está a punto de ir al frente en la Primera Guerra Mundial, lo que lo lleva a dejar a la niña con su madre (abuela paterna de Édith), dueña de una casa de prostitución en Bernay, Normandía, donde la niña es criada por las prostitutas de la casa.

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Édith Piaf en su infancia.

Al finalizar la Primera Guerra Mundial, su padre vuelve del frente y la lleva consigo a vivir la vida de los artistas de los pequeños circos itinerantes, luego la del artista ambulante, independiente y miserable. Édith revela su talento y su excepcional voz en las canciones populares que canta en las calles junto a su padre, tal como su madre lo hacía. En Montmartre, Rue Veron Nº 18 se encuentra el Hotel Clermont, donde residió Edith Piaf a los 14 años al separarse de su padre en 1929. Hace su propio camino como cantante en la Place Pigalle, Ménilmontant, y los suburbios de París (véase la canción “Elle fréquentait la Rue Pigalle“).En 1933 a los dieciete años se enamoró de un chico de los recados, Louis Dupont.2 Con quien poco después, tuvo su única hija, una niña llamada Marcelle, quien murió a la edad de dos años de meningitis en 1935.

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ZORBA Baile de Pelicula

Maldita sea, jefe, me agrada demasiado
como para no decirlo.

Ud. lo tiene todo
excepto una cosa: Locura.

Un hombre necesita
un poco de locura, o si no…

¿O si no?

Nunca se atreve
a cortar la cuerda y a ser libre.

¿Está enojado conmigo?

Enséñeme a bailar, ¿sí?

¿A bailar?

¿Dijo…”bailar”?

Ande, muchacho.

Juntos.

Andando. ¡Arriba!

Otra vez. ¡Arriba!

Abajo.

Jefe, tengo mucho que contarle.

Nunca había querido a un hombre
más que a Ud.

¡Arriba!

Oiga, jefe…

¿alguna vez vio un colapso
más magnífico?

¿También puede reírse?
¡Oiga! ¡Se ríe!

¡Vio cómo corrían todos!

¡Especialmente los monjes!

La tercera vez…

¡La tercera vez fue la mejor!

¡No quedó nada!

¡Más rápido!¡Arriba! ¡Arriba!

¡Arriba! ¡Arriba!

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